TOM WESSELMANN

Nacido en 1931 en Cincinnati, Ohio. Después de estudiar la psicología en la universidad de Cincinnati, estudió en la Academia del Arte de Cincinnati en el perìodo 1955-56, y a partir la 1956 al 1959 estudió bajo la tutela de Nicolas Marsicano en la escuela de la Unión de Fabricantes de Vinos, de Arte y Arquitectura de Nueva York. Al inicio su pintura era de corte expresionista abstracto con innegables influencias de Kooning.
En 1959 dio vuelta a la experimentación con collages pequeños y abstractos. En 1960 cambió a los objetos y a los paisajes en su pintura. Tuvo en 1961 su primera exposición individual en la galería de Manager de Nueva York. En 1962 participó en la exposición La Figura en el Museo del Arte Moderno de Nueva York. En 1963 lo incluyeron en El Estallido Entra en el Este con los artistas contemporáneos del museo de Houston, y en 1965 en la exposición Joven 1965 de América en el museo de Whitney, Nueva York. Participó en la Bienal de San Pablo en 1967, y en la exposición Documenta 4" y "6", y Kassel, en 1968 y 1977 respectivamente.
Su trabajo comenzó con los collages, los ensambles creando ambientes temerarios al usar artículos comunes y corrientes. Utilizó también la publicidad de catálogos y anuncios como un medio expresivo, combinados generalmente con la actitud francamente exhibicionista del cuerpo femenino. En el desarrollo de su trabajo de la serie los Grandes Desnudos Americanos incrementó el formato de sus obras.

ROBERT RAUSCHENBERG

Nacido en 1925 en Tejas, estudió farmacia brevemente en la universidad de Texas, para, para luego desempeñarse como miembro de los infantes de la marina de los Estados Unidos. A partir de 1947, y hasta 1948, estudió varios temas en el Instituto del Arte de la ciudad de Kansas, incluyendo historia del arte, escultura y música. Durante este tiempo realizó exhibiciones y participó en trabajos para estudios cinematográficos. En el mismo año se trasladó a Nueva York y participó en la Liga de los Estudiantes de Arte hasta 1952. Viajó a Italia, Francia y España, y tuvo exposiciones en Florencia y Roma en 1953. En 1949 se mudó a Nueva York y comenzó a pintar sus cuadros famosos Cuadros Rojos, substituyendo las pinturas Blancas y Negras.
A partir de 1962 utilizó la técnica de pintura en tela de lona (silkscreen) que mezcló con collage y objetos. También hizo su primer trabajo en litografía por el cual le concedieron el primer premio de una exposición en Yugoslavia. En 1963 se organizó la primera muestra retrospectiva en Europa, en la Galería Sonnabend de París, misma que también fue exhibida en el Museo Judío de Nueva York. En 1967 lo nombraron Doctor Honorario de la universidad de Grinnel, Iowa. En 1968 la NASA le invitó a que atestiguara el despegue de Apolo 11 en el centro del espacio de Kennedy y utilizara este tema para su trabajo.
En 1975 recibió el grado honorario de las artes de la universidad de la Florida del sur, Tampa, y, junto con James Rosenquist, estuvo involucrado en el movimiento para la abrogación del impuesto a las instituciones artísticas no-lucrativas. Una gran muestra retrospectiva fue expuesta en varias ciudades americanas a partir de 1976, y hasta 1978. En 1980 tuvo muestras retrospectivas en Berlín, Düsseldorf, Copenhague, Francfort, Munich y Londres. En 1981 sus fotografías fueron mostradas en el centro Pompidou de París. Vive actualmente en New York City y en la isla de Captiva de la Florida. En 1989 su trabajo viajó por todo el mundo, incluyendo una exposición en Moscú.

JASPER JOHNS

Nacido en 1930 a Georgia, creció y estudió en Carolina del Sur. Lo enlistaron en el ejército norteamericano y fue enviado a Japón. Entre 1949 y 1951 estudió en la universidad de Carolina del Sur. A partir la 1952 y hasta 1958 trabajó en una librería en Nueva York. Realizó exposiciones conjuntas con Robert Rauschenberg para las casas Tiffany de Bonwit. En 1954 pintó su primer cuadro sobre la bandera. Tuvo su primera exposición individual 1958 en la galería de Castelli di Leo, Nueva Cork, también expuso en la Bienal de Venecia el mismo año. Su cuadro Números Grises ganó el premio internacional en la Bienal de Pittsburgh.
En 1960 comenzó a trabajar con litografías. En 1961 hizo su primer cuadro de gran formato y viajó a París para una exposición en la Galería Rive Droite. En 1964 se organizó una exposición retrospectiva de su obra en el Museo Judío de Nueva York. Durante el mismo año ganó un premio en la 6a exposición internacional del Arte Gráfico en Ljubljana, Yugoslavia.
En 1973 conoció a Samuel Beckett en París. Desde esta fecha y hasta 1980 realizó exposiciones individuales y retrospectivas en Nueva York, en la ciudad de Colonia Alemania, en París, Londres, Tokio, Suiza y Venecia. En 1988 le concedieron el Premio principal en la Bienal de Venecia .Robert Rauschenberg para las casas Tiffany de Bonwit. En 1954 pintó su primer cuadro sobre la bandera. Tuvo su primera exposición individual 1958 en la galería de Castelli di Leo, Nueva Cork, también expuso en la Bienal de Venecia el mismo año. Su cuadro Números Grises ganó el premio internacional en la Bienal de Pittsburgh.
En 1960 comenzó a trabajar con litografías. En 1961 hizo su primer cuadro de gran formato y viajó a París para una exposición en la Galería Rive Droite. En 1964 se organizó una exposición retrospectiva de su obra en el Museo Judío de Nueva York. Durante el mismo año ganó un premio en la 6a exposición internacional del Arte Gráfico en Ljubljana, Yugoslavia.
En 1973 conoció a Samuel Beckett en París. Desde esta fecha y hasta 1980 realizó exposiciones individuales y retrospectivas en Nueva York, en la ciudad de Colonia Alemania, en París, Londres, Tokio, Suiza y Venecia. En 1988 le concedieron el Premio principal en la Bienal de Venecia .

ROY LICHTENSTEIN

Nacido en 1923 en Nueva York estudió arte en la universidad de estado de Ohio, Columbus, en donde terminó sus estudios. Entre estos períodos del estudio hizo su servicio militar en Europa. En 1951 tuvo su primera exposición individual en la galería de Carlebach, Nueva York. Hasta 1957 trabajó como un artista comercial y diseñador y realizando trabajos para el diseño de las vitrinas de las tiendas. Sus pinturas y dibujos en este tiempo eran parodias del arte de los años 20 y del “western” norteamericano con escenas de vaqueros e indios.
En este período su trabajo pasó de una fase de arte expresionista-abstracto a una de expresión figurativa. En 1960 se hizo conocido al comenzar a utilizar elementos típicos del arte comercial, de los comics y de los anuncios, en sus dibujos y pintura. En 1963 se trasladó a Nueva York. El arquitecto Phillip Johnson le comisionó para producir pinturas de gran formato para el pabellón de la feria mundial de Nueva Cork. En Cleveland realizó su primera exposición retrospectiva en los Estados Unidos en el Museo de Arte Moderno. La muestra se repitió en la Bienal de Venecia en 1966, 1968 y 1970.
En 1981 el Museo de Arte de St. Louis organizó una retrospectiva que abarcó el total de su obra hasta ese momento. En 1987 se organizó una muestra retrospectiva de sus dibujos en el Museo del arte Moderno, Nueva York, y en 1988 en el Kunsthalle de Francfort. Murió de pulmonía en los Estados Unidos en 1997.

EVOLUCION DEL POP ART

En el año 2000 nace en Europa el Blop Art, especialmente en Francia donde ésta evolución del Pop gana su fama y consumo masivo. El diseño gráfico, los videoclips y artes de discos son sus principales lienzos, mientras que youtube y myspace sus principales medios. El blop art recibe su nombre de la figura onomatopéyica BLOP, típica de los comics usados en explosiones de globos o gags de humor.

POP ART ESPAÑOL

En España el Pop se estudia asociado a la nueva figuración surgida a raíz de la crisis del informalismo. A diferencia de los países anglosajones, el Pop-Art adquiere en España un marcado carácter social.
Entre los españoles que trabajaron en proximidad con este planteamiento podemos mencionar Equipo Crónica, Alfredo Alcaín, Eduardo Arroyo, Darío Villalba, Eduard Sanz, La Hermandad Pictórica, Manuel Boix, Eduardo Úrculo y al Equipo Realidad entre otros.
Tenemos que entender que el pop-art llega a los españoles como unas bases que nacen del interés que manifestaron algunos artistas extranjeros (Hamilton, Paolozzi) de la vanguardia londinense por las imágenes de los objetos de uso corriente de la civilización urbana, vehiculadas por los medios de comunicación de masas, y por su deseo de acercar el arte al gran público creando un nuevo arte popular frente al elitismo que había caracterizado hasta entonces el arte de vanguardia. A principios de los años sesenta empezaron a aparecer en España publicaciones de collages, pinturas y esculturas cuyos temas principales eran los productos tecnológicos, los automóviles, las estrellas de cine, etc., tratados con estilos que difieren de un artista a otro.

ANDY WARHOL

Andrew Warhola más conocido como Andy Warhol, fue un artista estadounidense nacido el 6 de agosto de 1928 y que falleció el 22 de febrero de 1987. Fue la figura más destacada del movimiento pop art.
Después de una exitosa carrera como ilustrador de revistas y de publicidad, Warhol se hizo famoso en todo el mundo por su trabajo como pintor y cineasta de vanguardia. Como figura pública es recordado por haber estado vinculado a círculos sociales muy diversos, incluso antagónicos, como la bohemia neoyorquina, reconocidos intelectuales, celebridades de Hollywood o ricos aristócratas.
Fue un personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, libros y documentales. No en vano, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

POP ART ESTADOUNIDENSE

En Estados Unidos el arte pop entra en escena en 1961 y arraiga con más fuerza que en ningún otro lugar, a pesar de las reticencias iniciales de algunos críticos como Harold Rosenberg, dada la fuerza que el expresionismo abstracto tenía en la industria del arte. Sin embargo, la imaginería pop era fácilmente asimilable como algo puramente estadounidense, lo cual era importante ya que tanto los artistas como los coleccionistas estadounidenses estaban en cierto modo en lucha o competición con lo europeo. La confirmación de este hecho se produjo con la exposición titulada El arte pop y la tradición americana en el Milwaukee Art Center en 1965. Este aspecto nacionalista era lo único que lo acercaba a la generación de los expresionistas abstractos; en lo demás todo es opuesto: los artistas pop ironizaban sobre la caligrafía y el gesto característicos de los expresionistas (las obras de Roy Lichtenstein en las que amplifica una pincelada esquematizada gráficamente), o los enormes cuadros de Rosenquist en los que amplifica espaguetis como recordando las nervaciones de los drippings de Pollock, y en general el interés puesto en desechar de la obra toda traza de la intervención manual del artista.
Los precursores del arte pop americano son Jasper Johns y Robert Rauschenberg y el grupo lo forman Andy Warhol, Jim Dine, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Robert Indiana, Tom Wesselmann y Claes Oldenburg. En la periferia del pop americano se encuadran Alex Katz, John Chamberlain, Richard Lindner y Larry Rivers. A pesar de esta categorización todos son diferentes entre sí. Warhol pretendía eliminar de la obra de arte cualquier traza o signo de manualidad; muchas de sus obras están hechas a partir de fotografías proyectadas sobre el lienzo.
Lichtenstein toma sus motivos de las tiras de cómics y los amplía a enormes dimensiones dejando visibles los puntos que resultan del proceso de impresión. Dine combina objetos reales con fondos pintados. Oldenburg fabrica objetos de la vida cotidiana (hamburguesas, navajas, etcétra) a tamaños descomunales que instala en ocasiones en espacios al aire libre. Indiana pinta rótulos gigantescos que nos reclaman la atención y nos amonestan.

POP ART BRITANICO

En el Reino Unido el arte pop empieza a gestarse en las discusiones que mantenían Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi y los críticos Lawrence Alloway yReyner Banham, desde 1952, en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres (ICA). Estas discusiones se centraban en torno al impacto que la tecnología moderna y los medios de comunicación de masas estaban teniendo en la sociedad. Entre otras cosas, en estas discusiones se desmontó la pirámide de categorizaciones en la que las Bellas Artes eran la cima equiparadas al cine, a las artes populares y las artes gráficas.
Richard Hamilton es considerado el artista que creó la primera obra del Arte Pop, el collage titulado ¿Qué es lo que hace los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?, que fue expuesto en la exposición titulada Esto es el mañana en la Whitechapel Gallery de Londres en 1956.
En 1961 se presentaba el arte pop británico al público en una exposición que reunía obras de David Hockney, Derek Boshier, Allen Jones, Roland B. Kitaj y Peter Phillips.
El arte de Hamilton toma sus fuentes de las industrias del consumo y del ocio, de la publicidad y también de la historia del arte. Puede decirse que el Pop de Roland B. Kitaj y Hamilton es un pop culto y altamente intelectualizado, casi hermético en un sentido que no es el del pop habitual. El otro gran artista Pop de la escena inglesa es David Hockney, para quien la herencia del movimiento moderno es fundamental y combina fotografías, cuadros abstractos y diversos tipos de material gráfico. Junto con Allen Jones forma la segunda generación del Pop británico.

POP ART

El Pop-Art ( "Arte Popular") fue un movimiento artístico surgido a finales de los años 1950 en Inglaterra y los Estados Unidos; sus características son el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas aplicados a las artes visuales.
Subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. El término "Pop-Art" fue utilizado por primera vez por el crítico holandés Lawrence Alloway en 1958, al definir las obras de Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi entre otros. Otro crítico, Lewis Gennig, puso énfasis en esta denominación hacia 1962 para definir el arte que algunos jóvenes estaban haciendo con el empleo de imágenes populares; de este modo quedó relegado el término Neo-Dada o neodadaísmo para la entonces nueva corriente estética.
El arte pop es la manifestación plástica de una cultura (pop) caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie. En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en una adicción. El máximo exponente del movimiento, Andy Warhol, afirmaba que "La razón por la que pinto de este modo es porque quiero ser una máquina". También es simbólica la afirmación de Richard Hamilton con respecto a su deseo de que el arte fuera "efímero, popular, barato, producido en serie, joven, ingenioso". Todas ellas serían cualidades equivalentes a las de la sociedad de consumo.
Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo y su poca importancia puesta en el objeto de arte final. Sin embargo, el Arte Pop descarga de la obra de arte toda la filosofía anti-arte del Dadá y encuentra una vía para construir nuevos objetos a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana, al igual que Duchamp había hecho con sus ready-mades. En cuanto a las técnicas, también toma del dadaísmo el uso del collage y el fotomontaje.